文／李育容

在AI席卷创作领域的当下，艺术教育该如何定位？创作的价值是否会逐渐被技术取代？身为艺术教育者，我们要教会学生什么，又该陪他们走向哪里？

赵瞬文教授，现任国立台北艺术大学动画系主任，长年跨足雕塑、动画、美术设计与策展等领域，拥有扎实的艺术养成背景与丰富的产业实务经验。她所实践的艺术教育，既扎根于实作，也深刻关注学生的状态与内在，在技术与感知、独立与合作之间，勾勒出一道既温柔又坚定的教学轨迹。

感觉练习：从手作出发，连结创作与真实

「艺术教育不只是把工具教给学生，而是让他们知道自己为什么要创作、为谁而创作。」这句话，是瞬文老师教学的出发点。她所设计的课程内容，从绘图、雕偶、分镜设计，到最终动画制作，每一个环节都与「感觉」有关。

在角色雕塑的课堂里，学生们绘制角色三视图，并运用羊毛毡、黏土或复合媒材将角色设计立体化。这不仅是媒材的转换，更是一种跨感官的感觉训练——在动手的过程中，学生必须细致感受角色的形体、情绪与存在感，试着将内在的情感与观察转译成有重量的形象。

「在AI影像生成快速崛起的今天，这些真实的感受与手作能力显得特别珍贵。」她说，AI无法呈现手感的细节与创作者内在的情绪轨迹。不过学生要先能「感觉」这些细节，这样的敏感度不是靠软体、AI生成或模仿就能养成，而是从一次次的试验与反思中慢慢练出来的。

对瞬文老师而言，创作从来不是单纯技术的堆叠，而是一种身体与感官的回应历程。在课堂上，她常鼓励学生留意日常中的细微感受——一束光、一道影、一段声响，也可能成为角色与场景的起点。这样的感觉练习，赋予作品灵魂，也让学生更能意识到自己在创作中所扮演的角色。

磨合、卡关与未完成：动画合作的真实样貌

动画制作从来不是一个人的旅程。虽然艺术创作常强调个人风格与表现，但若想挑战一部大型长篇动画，则必须集结大量跨领域人才共同「合作」完成。

「动画其实是需要高度合作的产业。」瞬文老师说。为了让学生从大一开始即理解合作的意义，她设计了三人小组的短篇动画任务，时长仅有20至30秒，但要从发想、分工到制作一气呵成。看似简单，却是真真实实地面对合作带来的冲突与磨合——有人脚本写得太长、有人在意画面的和谐度、有人对分镜坚持到底……但这些做不完、太在意与反覆讨论的经验，反而成为真正的学习起点。

升上大二后，学生进入〈联合工坊〉课程，需制作更长篇幅的作品。这是一门模拟动画制作现场的专案课程，从企划发想到脚本撰写、从动画风格设计到声音后制，完整走过制作流程的每一步。 「团队合作有时候才能做出更完整的作品。」，而在这个过程中，学生也学会在不同意见中协调，在角色分工中学习彼此的专长与节奏。

到了大三进入〈联合制作〉课程与大四毕业制作，采用个人创作或团队合作的方式，自由度更高，挑战也更多。有人选择独立制作，将前几年学来的技能内化为个人风格；也有人选择留在团队中磨合，再次挑战更大规模的作品。对瞬文老师而言，两种形式并无优劣之分，而是希望学生能在这样的过程中，培养出同时拥有独立创作与协作完成的能力。

与AI共存共创：建立选择与判断的能力

「我们系上的学生，对 AI 的反应跟其他科系不太一样。」瞬文老师在和学生们聊天中发现，有人将 GPT 当成可以倾诉的对象，从创作灵感聊到生活心事，甚至成为某种情绪的出口。但一谈到图像生成、影音制作等功能，学生反而常带着保留的态度。 「这些工具未来可能变成工作的竞争对手，大家不免会有排斥感。」她理解这样的矛盾，并与学生共同思考怎么更聪明地运用：例如用 AI 补齐角色服装配件、生成符合手绘风格的背景场景，让作品更完整、流程更有效率。 「不是把整个创作交给 AI，要学会如何聪明地善用它。」

并且，具备艺术基础反而让学生更能驾驭 AI。 「他们知道自己要什么，也下得出更精准的指令。」人体素描、动画原理与风格训练，这些基础素养正是他们在创作中保有原创性的关键。瞬文老师也观察到，许多学生已习惯用 ChatGPT 构思对白、发展剧情，仿佛和一位虚拟编剧讨论灵感，有时甚至比实际向多位专家进行访谈来得快速有效，能协助整理脉络、随时调整叙事节奏。

但无论是否使用 AI，瞬文老师重视的始终是创作过程中那些思考与转折的痕迹。从草图到分镜，从卡关到转折，这些都被纳入学生的创作论述当中。那不只是成果的说明，更像一本私密的创作日记，诚实记录着情绪、感受与思考脉络，也让人看见创作真正的重量。

AI能快速生成画面，但创作过程中的情感与经历，仍得由人类亲自走过一遍。

头脑卡住了吗？一起去吃顿饭

动画系的课堂不只是技术传授，更是一场创作的实战演练。瞬文老师谈到，真正有效的教学，来自学生的投入与参与。 「如果只是我单方面想教学生什么，是没有用的。」于是她带领教师群规划专案导向课程，让学生从明确目标出发，在实践与反思中累积创作的养分。

在她眼中，艺术学生的感知特别细腻，这虽是创作的潜力来源，但同时也让他们更容易受到情绪与环境的影响。当学生陷入创作瓶颈时，她不急着催交作品，而是陪他们回到生活，重新呼吸与感受。 「有时候学生卡住了，我不会叫他赶快画，而是先请他吃饭。」她说，创作如果撑不下去，多半是人先撑不住。吃饭，成了她理解学生的途径之一。饭桌上谈的不只是创作，有时是性别认同的迷惘，有时是与家人之间的距离。她发现，学生作品里出现最多的题材，就是家庭关系——父子、母女、隔阂与渴望靠近，「所以我常鼓励学生多投稿，因为得奖有时候会让家人比较能理解他们在做什么。」这听来俗气，却往往有效。从被否定到被肯定，有时只差那一封入选通知。

身为老师，她也乐于分享自己的挫折故事。 「我从不觉得那是丢脸的事，反而是让学生知道，困难不是问题，学会怎么走过去才是关键。」对她来说，创作是在那些无声的日常中——一顿饭，一次对话，一点点不被催促的时间。创作的路或许崎岖，但有人陪着走，就不孤单。

走出校园，走向世界：从关渡国际动画节开启国际视野

「看见世界，也让世界看见自己」是一件持续被实践的事。瞬文老师满眼温柔地看着桌上的动画节狗狗奖杯，像是在看着一位陪伴学生走过无数创作晨昏的老朋友。

每年由动画系主办的「关渡国际动画节」，不仅是台湾指标性的动画影展之一，更是一扇打开世界的窗口。影展每年吸引来自全球两、三千件投稿，最终精选约八十部作品公开放映，涵盖多元风格与文化脉络，许多作品在串流平台或电视上难以看见，为学生带来难得的创作参照。更重要的是，学生不只是观众，而是从中学习策展、主持映后座谈，与国际导演直接对话，甚至因此建立长期连结——有人出国时住进导演家中，有人则从动画节的策展经验中，找到未来合作的方向。

并且每年都会邀请国际焦点学校来台一同参与，如今年美国 SCAD、法国 Gobelins 等知名动画学府。他们带来学生作品单元放映、参与座谈，并与北艺大学生进行面对面的创作交流。透过这些互动，学生得以认识世界各地的动画教学风貌，也在无压力的对话中，想像未来进修或跨国合作的可能。

动画系也长期参与海外展会，如广岛国际动画节、法国安锡国际动画影展，学生作品入选 Student Pitch或是国际影展入围放映，与全球优秀院校并列，或是面对来自各国的制作人与策展人，进行正式提案。同时，系上亦邀请国际艺术家来台驻校授课，并与MIT、电影系、舞蹈系等校内单位进行跨域合作，让学生在多元、跨域的艺术表现形式之间拓展创作视野。

这些经验让学生理解，动画创作的意义，不只是完成一个作业或毕业制作，而是一种认识自我、与世界对话的方式。瞬文老师说：「我们不是把学生推向产业，而是希望他们看见世界、也被世界看见。」在这条结合技术、艺术与叙事的创作路上，瞬文老师的教学目标，不是培养标准化的创作者，而是引导学生成为能够思考、选择、建立连结的人。

这份从创作历程中慢慢厘清的自由与信心，未必总是明亮耀眼，却会在往后的旅途中，像一盏有着温暖黄光的灯，照亮下一步该走向哪里。

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