電子報-藝游誌

文／鴻狄 Ipun Kanasaw
 

表演並非在語言，而是在「做」的過程中，越辯越明。表演難以言傳，弔詭的是，唯有透過語言，我們才能更多去定義並理解彼此所認為的表演一些些。接下來的文字，我會用這學期我所經歷到的過程來表述，不代表所有人的經歷，如果覺得不理解或不認同，敬請大膽跳過。
 

 

圖1、《不可兒戲》呈現

 

 

1.《一報還一報》

＊使用英式英文呈現——體驗莎劇的音韻與節奏

在使用英式英文呈現《一報還一報》時，我體驗到莎劇獨有的音韻感，也更多理解到原劇本對角色的本意為何，由於莎劇的台詞是非常緊湊且具節奏感的，這幫助我去練習跟上表演的「節奏」，拿掉倚賴「自身情緒」的習慣，讓自己跟著節奏走，意外的發展出不在自己想像內的動作。
 

如萍師：「有情緒不代表最適切的表達方式。」
 

＊鏡頭表演——對於鏡頭尺寸不同的適應

我們在教室架了鏡頭，用兩種尺寸呈現，一是鎖定臉部的大特寫，二是肩上特寫。我覺得自己對於大特寫是擅長的，讓資訊在心裡流轉，其他的會隨心而來，然而面對到肩上鏡頭時，我發現直接複製大特寫的表演方式是不足夠的，要如何符合大特寫的狀態身體又能跟上，是我可以繼續工作的部分。
 

＊舞台呈現

舞台呈現時，我們呈現了英文與中文的版本，我感覺到兩種語言的邏輯十分不同，語言的不同也影響到節奏的不同，會很直接、很細微的影響到角色在現場的思考方式，我覺得這很有趣。
 

如萍師：「文本背到滾瓜爛熟，直到能讓角色活在當下（第二自我），而不都純粹從演員本人出發。」

　　　　「如果盡力了還是不夠好，就繼續盡力，要向不安全感全面棄械投降！」

　　　　「觀察運動員想要奪標時的臉，那樣的猙獰、那樣的美。」

 

2.詩人的配音作業

老師讓我們選擇詩人、作家有關的紀錄片，並揣摩片中的旁白，在呈現時將聲音拉掉，只聽見我們用麥克風配音的聲音與影片的畫面。我感受到，旁白的聲音除了要自在，還要能夠符合影片的氛圍，這是需要設計、練習的，要讓聽眾從聲音聽見畫面，前提是心中要完全明白自己在說什麼，呈現出心裡的畫面，才能使內容與聽覺相同步、相呼應。
 

＊延伸練習——錄陳映真《山路》、莫言《白狗鞦韆架》

老師先讓我們讀過文本，再分部分自行回去錄音，最後將所有部分合在一起。文章中有純敘述，也有對白的部分，是否要詮釋對白，端看個人的選擇。這個練習幫助我們擴張對文本的閱讀理解能力（尤其是背景完全不在我們生命經驗之中的文本），這提醒了我，除了訓練身體、聲音，這些我身上的技術與工具之外，心靈與頭腦的擴張也十分重要，若沒有心中的詮釋與想像，外在的工具無法被好好的，完整的使用。
 

 

3.喜劇練習

＊工具箱練習：

每個人要無實物拿出自己的工具箱，並讓觀眾看明白自己使用的工具為何。
 

＊丟東西練習：

在有限時間內丟掉越多東西越好，不需要用動作表示那是什麼，只要用語言說出來。
 

＊頭的角度練習：

頭要像木偶一樣，探索頭的各個角度，熟悉過後，再聽對手的一句話，從直覺做一個表情反應。
 

＊即興呈現——「小偷篇」、「航海篇」：

只能花十分鐘討論，不能排練，直接上場玩。
 

各種練習過後，老師說明喜劇不一定完全走真心，而是「節奏」，這些探索也讓我在進入《不可兒戲》的排練時更能意會屬於節奏、技術、瞬間反應的部分。
 

如萍師：「葛氏說的『精確』，我認為是在『角色範圍內』自由，才是真正的精確，而不是說話方式、眼神角度等只論技術性的精確。」
 

＊《不可兒戲》呈現：

高階喜劇的效果來自於劇情的推進，而不是演員扮醜，演員的詮釋仍要符合角色，才不至於譁眾取寵。

 

4.Tango初探

這學期我們花了兩三堂課下午學習探戈，我發現探戈是很強調在固定範圍內的「即興、聆聽、配合」，秘訣是絕對的放下預設去跟隨帶領者。
 

某日的心情小語：

今天和萬毛在跳探戈的時候，感受到「做自己的老師」的重要，我感受到我正在我的學習之路上，幸福、滿足的前進，這樣就好了，不必因為沒得到稱讚就覺得自己是不好的，我正在我的學習之路上，我可以當我自己的老師去告訴自己，我正在進步的地方是什麼，並且很肯定自己的「願意」，也直面自己仍有的脆弱。

 

5.動作與意念

有一天，老師帶我們做了一個奇妙的練習，大家在教室邊緣站成一排，一次只能一個人衝向前，即興做出一個動作，再跑回去，過程不能有碎動，若兩三人同時衝出來，要有默契的讓其中一個人向前。幾次後，便加上一個詞、一句話，最後是「我想要……，我不想要……」的造句。
 

過程中我意外發現內心深處的聲音，同時也聽見同學的，那個時刻很奇妙，感覺我們每個人都清晰了起來，有很清楚的狀態、很清靈的心思，這個過程讓我發現了自己以及他人的獨特性。

 

6.死前十分鐘錄音

老師要我們私下，在一個安靜的空間，錄下十分鐘的死前錄音，不能重來。爾後在經同學同意的情況下，播放給同學們聽。

老師解釋她不會評論這個錄音的好壞，因為這是我們自己的生命，老師的目的是要讓我們聽聽看自己最放鬆時的聲音。

我覺得這個作業對我來說很大的幫助是，讓我看見了我生命此刻的景況，當要面對死亡的時候才發現自己有這麼多不甘心，還有這麼多想完成，原來自己不是自己想得這麼豁達。在聽其他人的死前錄音時，也更加認識同學們，以及他們心靈深處的思考，這樣的交流好美妙。

 

7.《海鷗》模擬甄選

老師請來許哲彬導演來參與，一同完成了模擬徵選。

學習：甄選時，除了自己的詮釋，也要去研究將要面對的導演的風格、喜好。

當同學提問「audition的策略」，是要符合角色，還是讓導演看見自己的表演能力？許哲彬導演表示，演員的詮釋也會被包含在導演的考量當中；如萍老師要我們「回歸本質」。

這個回歸本質的提醒，很觸動到我，過去有一段時間我一直認為自己是很努力活在本質當中的（不管生活還是表演），但當表演成為自己的事業，而這個事業好像沒什麼起色時，卻漸漸地遺忘了對本質的追求，反而為了目標不斷變幻手段，也許本質、目標、手段是可以並行的，但永遠不能忘記自己喜愛表演的初衷，以及角色與劇本原初的、本質上的意義及目的，我想，這是演員持續獨特且發光的關鍵。

老師進而提到「演員的代價」，當演員奮力一搏，但卻在audition或試鏡失敗後，心裡的傷是要花時間痊癒的，有的時候要花好幾年才會好起來。老師提到的這件事讓我在下課時間偷偷跑去廁所大哭，老師問我們「你們是真的不想要嗎？」，我知道我不是，但在一次次的失敗中，我越來越害怕期待後的失落，漸漸的我告訴我自己「這些都只是角色初探，當作去玩」，如果我心裡真的這樣想就沒問題，偏偏我不是，演員總是想要，也總是需要機會表演。

雖然沉重，但當我走出廁所時，心裡多了一份釋然，承認了「要享受舞台，是要付出代價的，而這個苦是我甘願受的」，若無法放棄，就勇敢承擔。

 

8.《Rabbit Hole》

第一次呈現，我們以不丟本的方式，先走詮釋及走位給老師看。

如萍師：「角色基礎的原型是什麼？不只是服務其中一場的詮釋而已。」
 

第二次呈現，老師私下與各個組別獨磨，為的是讓同學直接看到最後大家的詮釋及改變。在獨磨的時候，由於我的生命經驗與角色有很大的差距，因此沒什麼自信與創造力，心裡很多擔憂害怕。

如萍師：「要相信自己可能是理解的，才能夠演繹。」

　　　　「用她的方式呢？她會怎麼做？」
 

到了最後呈現，我可以感覺到自己奮不顧身想要成為角色的無形的動力，好難用言語形容，好像學期初老師所說的「運動員要奪標時猙獰的臉」。同時我也深深感受到對手演員所給予我的，終於在這一年的學習中，有一次是簡單地去享受表演本身，希望我能一直記得這樣的感受。


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